Piatas del Caribe 2: El cofre de la muerte

¡Alegría! Con esta película logre compartir una función con un grupo de seis amigos, algo que no me pasaba desde hace mucho tiempo. Con picada y hasta fichines previos. ¡Bienvenidos a las vacaciones de invierno!

Piratas del caribe 2: El cofre de la muerte (Pirates of the caribbean: Dead Man´s Chest – EU – 2006 – Gore Verbinski)

Cine de aventuras a la manera clásica, algo que no abunda y por lo tanto es bienvenido. Hasta hay un calamar gigante en clarísimo homenaje a Julio Verne y sus 20.000 leguas de viaje submarino, un clásico de clásicos. Además dirige Verbinski, un tipo que viene en ascenso (desde este blog se insiste: alquilen The Weather man, es de lo mejor del año), otra de las razones que hacen de esta película una agradable propuesta. Ahora... ¿qué paso? Se supone que esto es entretenimiento asegurado. Bien, mas de uno se aburrió en unos cuantos tramos. ¿Por qué? Primero y ante todo atrás de esto esta la Disney y se nota el calculo vil y ambicioso de una de las compañías mas voraces y sanguinarias (Si, si, los mismos que producen Bambi 2). Por lo tanto la película esta llena de vueltas y vueltas. El guión es de una dilatación de situaciones insoportable por algunos momentos, guión con el cual se nota la intención de enganchar a todos a la manera Matrix o El señor de los Anillos, con una segunda parte que te deja esperando la tercera. Además, ¡es la fucking Disney!, hay piratas y monstruos, son todos guachos, pero los que mueren son extras o sino los resucitan. Cero crueldad. Poco erotismo. Todo rosita. Falta que hable algún animal o aparezca el ratón Mickey con un parche en el ojo. Segundo, Verbinski es bueno y ha demostrado su integra calidad de profesional, pero el muchacho no es Spielberg (La escena de la isla de los caníbales es muy Indiana Jones, pero lejos esta de la inventiva de esta), tampoco es Tim Burton (El interior del barco del villano Davy Jones es muy burtoniano pero a la vez también le falta un montón.) como para hacer de la película algo mas que entretenimiento. Tercero, Jack Sparrow pasa de ser carismático a ser un monigote. Tercero bis ¿Quién me dijo que aparecía en pantalla Keith Richards (En quién se dice Johnny Depp se inspira para componer a su pirata)? ¡Me quede mas de dos horas esperándolo!

En fin, una película entre buena (me tiro más a buena) y regular. Ahora sí, ir al cine e ir con un buen grupo de amigos suma puntos a cualquier película. Calificación: 6

Siete, el número equivocado

Los hijos mogolicos de Tarantino presentan una película que ya se puede conseguir en el videoclub...

Siete, el número equivocado (Lucky Number Slevin – EU – 2006 – Paul McGuigan)

La influencia de Tarantino con su irrupción hace ya mas de una década ha tenido resultados positivos y otros absolutamente negativos. Una buena muestra de esto último son las películas del Guy Ritchie y también este policial pretencioso y pasado de vivillo al que no se como se presto un elenco que incluye a Bruce Willis (¡No Bruce! ¿Pensabas que te ibas a meter en otra Tiempos Violentos?), Morgan Freeman, Stanley Tucci y el ¡Sir! Ben Kingsley. Puro cliché: padrino mafioso que si te equivocas en el nombre te manda a ejecutar, asesino a sueldo de palabra justa, apostadores que creen poder salvarse con un número, todos con sus diálogos “inteligentes” y sus toques cool con los cuales el guionista quiere dejar claro a cada minuto lo listillo que es. Y todos, combinados en una trama que apuesta a sorprender con sus giros pero lo único que termina haciendo es mostrar lo mal que se pueden hacer las cosas cuando realmente uno no la tiene clara. Nomás con las escenas engañosas y las contradicciones de los personajes alcanzan para que esta película se deje de tomar en serio. Que quede claro que con verse Yojimbo de Kurosawa y un par de películas más no alcanza. Para ser un Tarantino hay que pelarse el orto en el videoclub. Por suerte me la pasaron en DVD. Ahora si quieren ver algo bueno les recomiendo del mismo director, en su etapa previa a zarpar para Yankeelandia, El gangster (Gangster No. 1). No tan canchera, con el plus del british taste y la actuación con la que Paul Bettany (Para los que no lo conocen: el medico compañero de Russell Crowe en Capitan de Mar y Guerra) se hiciera conocido. Calificación: 3

Bañeros 3, Todopoderosos

Aquí una colaboración Quepelotudo. Un comentario sobre la película en cuestión mucho mas desacartonado y sentido que cualquier otro comentario que se pueda leer por ahí.

Me tomare la libertad de colaborar con El Odiante comentando una pelicula que seguramente él nunca comentara.

Bañeros 3, Todopoderosos (Argentina - 2006 - Rodolfo Ledo)

Se apagan las luces, aparece el cartelito de argentina Sono Film con la musica tipica, empieza la peli. Gino, Emilio, Paco... "¡aguante brigada z, aguante bañeros!" Paolo en su camion pintado con aerosol "re looooco" y sus frases al estilo "loco, ¿nadie tiene un incienso?", y eso. Y Guille, Guille Francella en una lancha, muy gracioso. Luciana Salazar y Pamela David, divinas. Y tres nuevos bañeros, que por mas que hayan hecho programas de discutible (lease baja) calidad en tv son graciosos. ¿o acaso Emilio alguna vez hizo alguna maravilla en tv? ...Podría haber estado buena,

¿porque no lo estuvo?

El primer punto a considerar es que las peliculas anteriores de Bañeros eran malas, echas a los pedos, dobladas para el ojete, sin argumento, con planos largos, feos y sin ningun valor cinematografico. Eran películas hechas para que vaya la gente al cine, pase el rato, pague la entrada, no piense, se cague un poco de risa y se vaya a su casa contenta. Pero tenían algo, no se que es, algo que hizo que 17 años despues la gente todavía quisiera una secuela de esas películas de mierda. A pesar de contarme entre ellos, no se explicar que es ese "algo", lo que si se, es que Bañeros 3 no lo tiene. Bañeros 3 es una película mala, pero no tan mala para convertirse en buena como las originales. Bañeros 3 pretende tener una linea argumental. Bañeros 3 pretende tener correccion tecnica, con travellings, excesivos rebotes de luz y explosiones bien hechas, y la música... ¡por dios, la música es horrible! Y Emilio convertido en una especie de Patiño pedorro. De los asquerosos personajes de Freddy, De la Rua (De la Ruaaaa!!!!), Bianchi y Pergolini, el único que le sale bien, (y bastante) pero como que no era el lugar para demostrarlo. Y este pequeño hecho revela la verdad, si el titulo hubiera sido "la pelicula de No hay 2 sin 3" hubiera sido mas coherente, mas digno. pero claro, eso no vendía. entonces le mezclaron con la brigada, pero sin tener nada de la brigada. Le metieron bañeros, a pesar de que en la playa estan 15 minutos. La pusieron a Luciana Salazar y a Pamela David, que ni siquiera muestran mucho el culo y ni se pelean entre si. Es mas, ni aparecen en la misma escena. Ni van al casino. No entiendo que quisieron hacer, pero lo que les salio, no es Bañeros 3. ¡Haganse un favor! Si les agarran ganas de verla miren de nuevo la 1 o la 2, hagan de cuenta que esto nunca existió como lo voy a hacer yo. ¡Mentasti, la puta que te pario!

Superman Regresa

¿Alguien esperaba con ansías la vuelta de este héroe? El ODIANTE definitivamente no.

Superman regresa (Superman Returns – EU – 2006 - Bryan Singer)

Para ser franco, nunca me intereso el personaje de Superman. Creo que tiene un problema que bien define Umberto Eco en su Apocalípticos e Integrados: es un héroe sin adversario, y por lo tanto sin posibilidad de desarrollo al cual se añade que, por estrictas razones comerciales (y también psicológicas), sus aventuras son vendidas a un público perezoso. Un público perezoso como el que prevee Hollywood para esta película y el tsunami de garchas con las que siempre nos inundan en vacaciones de invierno. ¿Cuál es la gracia de un personaje que todo lo puede? Volar a la velocidad de la luz, escuchar voces a kilómetros de distancia, hacer rebotar las balas con su pecho, ¿qué mas?... también debe de tener la pija mas grande de todas. Así que: ¿como producir un conflicto estimulante a partir de estas premisas? Para los que no lo saben, esta Superman versión 2006 es algo así como una continuación de la Superman II protagonizada por Christopher Reeves y dirigida por Richard Lester (¡el mismo de la beatlenianas Help y A Hard Day´s Night!). La película retoma a partir de la vuelta a la tierra del hombre de acero después de un viaje a Krypton para indagar sobre su identidad. Como en la Batman Inicia de Christopher Nolan hay exposición de aspectos oscuros en la vida del héroe. Qué hizo Superman durante tantos años de ausencia. Cómo es la adaptación de vuelta en la tierra. Qué paso con Louise Lane. Lo mejor: parece que finalmente se garcho a la Luisa y le hizo un hijo que heredo sus poderes. Pero definitivamente no importa mucho lo que se cuente, por que todo se cuenta con poca gracia, las escenas de acción son escasas y poco creativas, los personajes carecen de carisma y no están bien desarrollados (sobre todo el que la da nombre a la película, personificado por el ignoto Brandon Routh, al que seguro eligieron por que se debe de haber dejado romper el orto por algún productor) y todo es absolutamente predecible. Lo que la hace zafable es algún momento de humor bien logrado, y una emotividad medida a partir de un Superman martirizado y jugado por su familia. ¡Ah! Y me olvidaba, por el amable trabajo de Kevin Spacey como Luthor. Después, lo de Singer es pura rutina profesional, las virtudes de sus X-men desaparecen, y parece nunca decidirse del todo por que hacer con su película. Pero claro, ¡los efectos especiales son asombrosos!. Ahora: ¿tenía sentido hacer una continuación de esta franquicia centrada en la actualización de los acartonados efectos especiales de las anteriores? La respuesta es simple: sí, y es reavivar la caldera de millones de esta superporonga alimentada a audiencia perezosa, domesticada por Hollywood y su industria cultural. No entiendo como no se pudren todos de tanta secuela, precuela, remake, refrito y la puta que lo pario. Me despido con esta pregunta: ¿a nadie se le va ocurrir nunca cambiar el hecho de que la gente sea incapaz de reconocer que Clark Kent y Superman sean el mismo tipo? ¡Que me vuelvo loco! Calificación: 4

TL-1: Mi reino por un platillo volador

Este fin de semana último me entere de que con mi compañero Leandro perdimos en el tal mentado Historias Breves, un concurso organizado por el INCAA que sirve de antesala perfecta para cualquiera que aspire a dirigir una película en nuestro país. Una desalentadora noticia ya que como muchos saben aspiro, ademas de criticar obras de otros, a también realizar las mías. Por suerte, y como para compensar este hecho, el fin de semana asistí a una proyección en el Malba de una película que enseña que de alguna manera siempre se puede.

TL-1: Mi reino por un platillo volador (Argentina – 2004 – Tetsuo Lumiere)

Seguramente, quién firma como Tetsuo Lumiere (Seudónimo que refiere a una A y una Z en la historia del séptimo arte) no tiene la suerte de ser hijo de Pino Solanas, o de Palito Ortega, o de tener algún padrino en el INCAA. Mas bien pertenece a esa estirpe de cineastas que andan al margen y cocinan sus películas en el under. Sin apoyo del gobierno, sin dinero, sin una mierda excepto una cámara de video al hombro y una genuina pasión por el cine. Y TL-1 es ante todo el correlato de esa pasión, una película que cuenta a la manera de documental (o autobiopic en este caso) apócrifo, la historia de un director –el mismo Tetsuo Lumiere- dispuesto a lo que sea para llevar a cabo su largometraje sobre naves espaciales invadiendo la Ciudad de Buenos Aires, ¡empresa imposible si las hay! De un espíritu que la coloca como la versión argenta de Ed Wood y plagada de alegatos de personajes mirando a cámara -tal como pasaba en Robo, huyo y lo pescaron de Woody Allen-, grandes dosis de humor slapstick, puesta en escena bien berreta al mejor estilo Todo por Dos Pesos y muchas pero muchas ideas para contrarrestar la escasez de recursos. ¿Bizarra? Tal vez, pero no a la manera en que se entienden a todas las películas que en nuestro país fácilmente se tildan con ese adjetivo. Acá no existe una vacua proliferación de tripas y zombies y la baja calidad de la producción tiene una coherencia bien a tono con lo que se cuenta. Eso sí, un poco larga, la película tiene unos cuantos minutos que le restan en vez de sumarle y que denotan la falta de decisión del director para dejar afuera material, pero de un humor y unos personajes que la hacen verdaderamente entrañable. Luego de ver esta película recordé una mañana de Domingo reveladora en la que mi amigo Alberto -arquitecto, fotógrafo, músico, artesano y pintor entre otras cosas- me evoco la anécdota de la vez que no tenía un solo centavo y termino pintando sus cuadros con barro y pedazos de basura recogidos de la calle. Alberto lo que hacía solamente era darme fuerzas con el objeto de que nunca me detuviera. Y por suerte siempre estarán los Alberto, los Ed Wood, los Tetsuo Lumiere, ahí, para demostrar que con ganas, con pasión por lo que se hace, siempre alcanza. Calificación: 7

El sabor del te

La semana pasada falleció repentinamente Fabian Bielinsky de un ataque al corazón. Esta semana se suicido Juan Pablo Rebella , co-director de 25 Watts y Whisky. La vida esta llena de sorpresas, así que en El ODIANTE... una película bárbara y que además esta llena de sorpresas.

El sabor del te (Cha no aji – Japón – 2004 – Katsuhito Ishii)

Si hay algo que hace único a una buena porción del cine japonés y también del cine oriental, es la impredecibilidad. En los últimos años –mayormente gracias a festivales y dvd´s- hemos podido ver unas cuantas obras maestras de lo impredecible. Películas de directores dispares como Tsai Ming-Liang, Park Chan-Wook, Kim Ki-Duk o Takashi Miike. Directores que tienen la enorme capacidad de sorprender con cada plano y de aprovechar una libertad creativa que esta ahí, siempre esperando a que alguien la tome. Contrariamente a lo que pasa con la mayoría del cine mainstream y sobre todo con el proveniente de Hollywood con sus películas y sus historias que parecen hechas y contadas millones de veces. Películas que parecen venir de un pasado, de lugares ya visitados una y otra vez. Algo muy diferente a películas como El sabor del te, que parecen situarnos en un presente, y que como todo presente, esta abierto a que cualquier cosa pueda pasar. Esta original obra de Ishii –quién tiene entre sus antecedentes la realización del segmento animado de Kill Bill, Parte 1- cuenta la historia de una familia un poco peculiar (aunque tan peculiar como cualquier otra.) compuesta por un matrimonio, dos hijos, un abuelo, y el infaltable tío simpaticón (Interpretado por el astro ponja Tadanobu Asano, el mismo de Ichi the killer y tantas otras). Pero no importa tanto el calibre de los sucesos de la historia familiar que no es ni muy divertida ni tampoco fuera de lo común, tampoco importa tanto la manera en que interrelaciona cada uno de los miembros del grupo –algo que es central en cualquier melodrama- sino que lo que importa es que la película se encarga de rescatar momentos mágicos de la vida cotidiana de esta familia y lo mejor, de proyectar los universos interiores de sus miembros. Segmentos musicales, animación digital, anime, estos son algunos de los recursos que Ishii utiliza para condimentar los momentos en la vida de una familia que muchas veces por la agitación en que vivimos en la sociedad moderna nos olvidamos del buen sabor que pueden tener. Ni siquiera la vejez es excusa en El sabor del te para dejar de hacer de la vida una celebración, de hecho esta película tiene uno de los abuelos más alegres que recuerde en la historia del cine. Y de eso se trata lo que nos cuenta Ishii en esta película única, con sus entrañables personajes y las numerosas sorpresas que regala con cada escena, de saber darnos una pausa de cinco minutos para apreciar el sabor de la infusión. De saber darnos un tiempo para contemplar la belleza que nos rodea, por que en cualquier momento podemos sufrir un ataque cardíaco como Bielinsky o se puede terminar marchando un gran amigo. Calificación: 9

Entre besos y tiros

Un estreno directo a DVD con el cual el bueno de Robert Downey Jr. vuelve a tener protagónico.

Entre besos y tiros (Kiss Kiss Bang Bang – EU – 2005 – Shane Black)

Historia de detectives buddy-buddy insertada en el submundillo de Hollywood. Para que se den una idea de que la va esta película, Shane Black es el guionista de todas las Arma Mortal y El último Boy Scout. Como en estas, hay mucho diálogo ágil y canchero, mucha química entre personajes, mucha situación ingeniosa, en fin... buen entretenimiento. Esto sumado a una buena dosis de humor negro que tanto le hace falta a veces a las películas norteamericanas (En una escenita al personaje de Robert Downey Jr. le arrancan el dedo de un portazo, el tipo lo carga para que se lo puedan injertar en el hospital hasta que en un momento lo descuida y ¡¡se lo morfa un perro!!). El hecho de que la acción transcurra en Hollywood le sirve a Black para hablar -a través en gran parte de la voz en off del protagonista- sobre los mecanismos de la industria cultural y el estado del cine actual. Hay ideas sobre los elevados caches de las estrellas, sobre las escenas moralizantes con las cuales siempre se trata de llegar al público bien pensante o sobre los happy endings con los cuales Hollywood siempre cierra todo de manera redondita. Ideas que la convierten de alguna forma en una película autonciente y reflexiva, lástima que todo es tomado tan en joda y a la ligera, que en vez de convertirse en algo parecido a Las reglas del juego de Robert Altman, se termina por convertir en no más que fast food, algo que -como bien define el personaje de Nicolas Cage en la nueva y altamente recomendable The weather man- es fácil, sabe bien, pero no nutre realmente. En fin, lo que es la mayoría de las películas del Hollywood contemporaneo, del cual esta película parece querer -sin lograrlo del todo- diferenciarse un poco. Calificación: 6

Torrente 3: El protector

Por que muy probablemente nunca se estrene en cines y ya se consigue el DVD importado por ahí.

Torrente 3: El Protector (España – 2005 – Santiago Segura)

Recuerdo una vez a un profesor bastante academicista decir en clase: “dejémonos de joder, el culto bizarro es un culto al cine malo”. Afirmación para nada errada y con la cual el buen hombre nos quería dejar claro que más allá del cariño o la simpatía que pudiéramos sentir por ciertas películas, nunca debíamos perder nuestra capacidad critica. Bien. Torrente 3 es mala, y quiero dejar claro que soy de los que le encanta la desfachatez, la incorrección y el espiritu de las películas de este detective raramente entrañable personificado por el gordo Segura. ¿Por qué es mala? Humor obvio y fácil (+ chistes robadísimos), guión pésimo (cero articulación entre escena y escena, situaciones súper convencionales), personajes en su mayoría sin gracia (Segura no logra buenos reclutamientos en esta parte) y lo que es común entre los “bizarros”: la convicción de que hacer un cine malo, por que es “bizarro” (lease: destinado por diferentes razones a ser de culto), esta bueno. Pero lo peor de todo, es sentir a esta película como una reproducción del mas canallesco cine comercial de Argentina -con más plata, claro-, algo así como una versión ibérica de los productos Franceleanos. Y loco... uno se puede cagar de la risa con Torrente o los personajes de Francella, pero no alcanza. Hagan buenas comedias, pongan buen acompañamiento a estos personajes. En esta tercera parte a Segura le salta la ficha mal, se le nota que lo apuraron para hacer guita (¡En España fue record historico de taquilla!). Por más que trate de salvarse poniendo con autoconciencia antes de su nombre: “mal escrita y peor dirigida por...”, su acto no deja de provocar desprecio. Y que un par de momentos de buen humor negro e incorrecto no empañen la visión de los que tanto queremos a Torrente, esto es cine comercial del peor. Calificación: 3

La marcha de los pinguinos

EL ODIANTE se transformo en pingüino durante algunos minutos.

La marcha de los pingüinos (La marche de l´empereur – Francia – 2005 – Luc Jacquet)

Documental que describe con imágenes hipnóticas el arduo ciclo de vida de los pingüinos emperador en la Antártida. Todo brilla en él: Los bloques de hielo, la aurora boreal, el pelaje de los animales. Todo tiene una belleza irreal, capaz de contagiar la sensación de que se contempla un paisaje fuera de este mundo. Filmado con una cámara que se esfuerza por borrar sus huellas y se camufla con los ojos de los palmípedos. Capaz de hacernos creer, por momentos, que hace más frío en la oscuridad de sala de cine y que nos hemos convertido en un pingüino. Pero... solo por momentos, ya que la narración se apoya en la voz en off, un recurso que si bien aporta datos importantes -Ejemplo: ¡los pingüinos aguantan sesenta y cinco grados bajo cero!-, peca de distanciarnos de la intimidad con las aves marinas. Y no solo eso, sino que además provoca lecturas no del todo inofensivas. Se puede decir que esta raza de pingüinos (a pesar de su nombre) es una raza pobre, ya que viven en un terreno inhóspito, en el cual se deben de sufrir las miserias del clima más extremo y en el que por carencia de recursos se deben hacer enormes esfuerzos para conseguir alimento y reproducir la especie. También se puede decir que la película, con su discursillo en off que se encarga de resaltar que “en el lugar más difícil de la tierra, el amor encuentra una manera” o “la vida resiste ante los más duros embates del clima”, no hace más que festejar la pobreza y ser funcional a un capitalismo tan jodido como las condiciones del ecosistema antártico. Una lectura nomás. Lo cierto, es que sin esta humanizante voz en off la película se hubiese perdido el Oscar y unos cuantos espectadores, pero mejor hubiese sido ensuciar un poco menos las imágenes con ella y dejarnos sentir, durante mas tiempo, como un pingüino. Calificación: 6

El Señor de la guerra

Una película nefasta, ideal para conocer la equivocada mirada de algunos norteamericanos sobre la guerra y sus productos.

El Señor de la guerra (Lord of War - EU - 2005 - Andrew Niccol)

Dos películas protagonizadas por el Nicolas Cage esperaban hace meses por ser estrenadas. La más que interesante The weather man (del mas que interesante Gore Verbinski) y este mamarracho sobre un traficante de armas que logro colarse en los cines para confirmar la tendencia deslucida de nuestras carteleras. El Señor de la Guerra es una cínica incursión al mundillo de la venta ilegal de armas, estructurada a la manera de cuanta película de gangster o drug drealer existe y repleta de frases pseudo ingeniosas (del tipo: “Las armas no matan a la gente, sino que la gente mata gente”) y escenas pretendidamente piolas, por el siempre esforzado en parecer piola, Andrew Niccol (Gattaca, S1m0ne). Con una mirada sobre la guerra similar a la de CNN, concentrada en la cifra y no en las consecuencias humanitarias, e ideológicamente repugnante. Solo para dar una idea: en una escena de la primera Torrente al personaje de Santiago Segura lo persiguen unos negros y para zafar de ellos no tiene mejor idea que arrojarles unos churrascos. Chiste incorrectísimo que sirve de critica al fascismo policial. Bien, en El Señor de la Guerra hay una escena muy parecida, a diferencia que el despreciable personaje de Cage cambia carne por armas. Y no hay chiste ni critica alguna. Calificación: 1

X-men: La batalla final

¿Se dieron cuenta? Nunca falta a mitad de año la película de Superhéroes.

X-Men 3: La batalla final (X-men: The last stand – EU – 2006 – Brett Ratner)

Los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby llegan al destino al cual aspira toda adaptación de comic en Hollywood: la trilogía, y lo hacen de una manera más que respetable. En esta nueva partida los mutantes integrados, liderados por el paralítico Dr. Xavier, se vuelven a enfrentar con los apocalípticos de Magneto, en lo que continua siendo una gran metáfora sobre la intolerancia y el racismo en EU y partir de la cual se proyectan los miedos ante los avances genéticos. La lucha, ahora, gira en torno a una flamante droga llamada “cura” que puede volver “normales” a los mutantes (Imagínense que los nazis fabricarán una sustancia para volver a todos arios). Para buena sorpresa de muchos, no esta más Bryan Singer en la dirección –quién ascendió de puesto y le dieron Superman: franquicia y héroe más poderoso- pero el trabajo de Brett Ratner (Responsable de películas menores, como Rush Hour o aquel choreo titulado Dragón Rojo) no desentona. Si bien la narración en esta tercera parte pierde en sutilezas y gana en subrayados, Ratner logra mantener la complejidad de los personajes y la historia a la vez que brinda enorme entretenimiento y alcanza los puntos máximos de emotividad en la saga. Esto último, a través de Wolverine, personaje que bien podría vivir en el lejano oeste, y con el que es imposible no encariñarse aquí (Se viene su versión solista para el 2007).

Y no hay nada más estimulante en esta película –también presente en las antecesoras- que la idea de que estos X-men son piezas de un inmenso ajedrez humano en los cuales sus poderes/movimientos se combinan en un juego perfecto. ¡Allí estaremos para cuando se reanude la partida! Calificación: 8

Domino

Antes que nada, recomiendo Masters of Horror: Imprint. El volumen número 13 de una serie de telefilmes que reune e los mejores directores del género, y que en este caso particular esta a cargo de Takashi Miike. Si se animan, esto es todo lo que en mi opinión debe ser el genero de terror: un verdadero dolor de huevos (Ya saben lo que tienen que hacer para conseguirla). Esta recomendación tiene lugar para contrarrestar la horrorosa (y no por referencia genérica) película que viene a continuación.

Domino (Francia / EU – 2005 – Tony Scott)

Primer largometraje del menos dotado de los hermanos Scott que va directo al videoclub en nuestro país, lo que conforma un verdadero acto de justicia. Su anterior película, Hombre en llamas, ya era bastante mala. Una aberración fascistoide, monumento a la intolerancia norteamericana con la cual se pretendía justificar desmedidas acciones militares y que además, estaba filmada para la mierda. Bueno, Domino la supera. Sumum de lo que entiende el ingles por cine moderno e innovador: un insoportable mejunje de imágenes que se parece más a un trailer, a un videoclip o a una publicidad de dos horas que a una película. Todo suturado con cuanto efecto de edición digital existe, y sin la mínima construcción de sentido o reflexión sobre las herramientas utilizadas y los temas tratados. Un anticine que desnuda de valor a cada plano y tiene la crueldad de lograr que hasta un tiroteo sea aburrido. Richard Kelly (Nada menos que el director de Donnie Darko) es el autor del guión, que cuenta la historia de un grupo de caza recompensas estrellas de Reality show, que se sospecha, podría haber sido algo interesante si caía en otras manos. ¡Tony Scott, sos un hijo de puta! Calificación: 1

Eros

Sigue el bochinche por el estreno de El Código Da Vinci. La iglesia se queja, pero lo único que logra es más publicidad, a la vez que todos discuten sobre si Jesús la ponía o no. Mientras tanto, en EL ODIANTE, una película que pasa desapercibida por pantallas grandes.

Eros (EU / Italia / Hong Kong / China / Francia / Luxemburgo / Reino Unido – 2004 – Michelangelo Antonioni / Steven Soderbergh / Wong Kar-Wai)

Con tanto biopic dando vuelta, aclaremos que esto no esto no se trata sobre la vida de un cantante italiano de apellido Ramazotti. Eros, cuyo artie titulo refiere al dios griego del amor sexual, no es más que una película episódica conformada por tres medio metrajes: La mano (Wong Kar-Wai), Equilibrium (Soderbergh) y El filo de las cosas (Antonioni).

Lo de Wong Kar-Wai son solo las mismas obsesiones estilísticas y temáticas de Con ánimo de amar envasadas en frasco chico. Una presentación que bien podría haber quedado como extra en el DVD de esa película. Lo de Soderbergh, (¿Por qué este tipo? ¿No era mejor llamar a Linklater o a algún otro?) una boludez de puesta teatral y tono noir al que trata de salvar con el touch artístico de un avioncito de papel volando por el aire. Algo parecido a un cortometraje de principiante con el cual demuestra que nunca estuvo a la altura de los otros dos maestros. Y lo de Antonioni, minas apasionadas y en bolas escrachadas sobre paisajes imponentes y yeguas correteando. Todo muy lindo, excepto lo que se cuenta. El conjunto: aburrido, dispar, caprichoso y en disonancia con el título. Propongo una Eros 2 con estos directores, veamos que les parece: Tinto Brass, Bigas Luna y Armando Bo resucitado de su tumba. Ahí la cosa, por lo menos, va a estar más divertida. Calificación: 4

El Código Da Vinci

Bienvenidos a la época del año en la que cada semana un tanque de Hollywood se devora todas las pantallas y parece ser lo único que importa.

El Codigo Da Vinci (The Da Vinci Code – EU – 2006 - Ron Howard)

Adaptar El Código Da Vinci, best seller número uno desde su publicación en cuanta puta lista existe, significa un éxito asegurado si las cosas se hacen mas o menos bien. Así que su adaptación es correcta y cuidada, a manos de un director impersonal y de experiencia y un reparto cargado de jetas conocidas. Si uno no leyó la novela puede ser un dinámico thriller con más de una sorpresa, pero si la leyó y además vio el trailer de la película, no hay mucho más que ofrecer. Una extensión, un tour de force visual , algo muy parecido a las costosas versiones ilustradas del libro.

En cuanto a términos de adaptación, la trama policial y de suspenso se acentua y se hace aún mas convencional que en la novela, y el atrapante contenido histórico-mitológico (seguramente, lo más atractivo) es acotado por los propios tiempos de la narración cinematográfica. Además lo de Brown, es como lo de escritores como Grahan Greene, sus páginas son celuloide puro, una película por si sola. Así que una vez más: “El libro es mejor”.

El suceso de El Código Da Vinci esta ligado principalmente a la moda del revisionismo histórico, ese genero que tiene en su haber a nombres como Umberto Eco o Michel Foucault y hasta versiones locales como Felipe Pigna con sus Mitos de la historia argentina. Esto habla de un público interesado en la veracidad histórica, un público que en este caso mira con atención y pide con recelo que el cuentito de Leonardo y Maria Magdalena que escribió Dan Brown se lo cuenten de la manera más fiel posible, censurando de esta manera todas las posibilidades o alternativas que el cine como arte puede ofrecer.

Por lo tanto, el interés de la película esta supeditado al interés que pueda generar cada uno por el libro. Personalmente, a mi me gusto. Si bien su autor no es un gran escritor, logra una narración intensa y conjuga temas por demás apasionantes. Se podrá discutir si es valioso o no, pero lo que es seguro e indiscutible es que el cine debe dejar de estar centrado en películas como estas, absolutamente predecibles y carentes de todo tipo de riesgo, con las cuales Hollywood y su público, como la misma Iglesia de la película, pretenden mantener su poder apartando temerosamente todo lo diferente. Calificación: 5

Alta tensión

Los problemas que ocurren cuando los franceses quieren imitar al cine norteamericano.

Alta tensión (Haute tensión - Francia - 2003 - Alexandre Aja)

Postergada entrega (Recientemente se estreno El despertar del diablo, la tres años posterior película de Alexandre Aja y además remake de Los ojos de la colina de Wes Craven.) de este éxito francés que cuenta la historia de unas jóvenes a merced de un terrible asesino capaz hasta de auto practicarse sexo oral con la cabeza decapitada de una mujer. Por un lado, una reivindicación de cierta manera de hacer cine de terror practicada hace décadas por gente como Argento, De Palma, o Carpenter: violencia cruda, cuidada puesta en escena y una narración a favor de generar climas que afecten al espectador. En este sentido la película hace honor a su titulo y además cuenta con un gran hallazgo: la acertada elección de Phillipe Nahon para el papel de monstruo, que para los que vieron su bestial protagónico en Solo contra todos (ese personaje que aborta a su mujer a las trompadas), cobra muchísima fuerza. Por otro lado, la pretensión de deslumbrar al espectador sobre el final con una vuelta de tuerca canchera y tramposa, algo muy afín al cine de genero de los últimos años. Y de esta clase de películas las hay con resultados satisfactorios, caso Los sospechos de siempre, Sexto sentido, y con resultados decepcionantes, Identidad o El juego del miedo 2. Alta tensión se inscribe en este segundo grupo y por no cuidar su verosímil termina arruinando hacia el final todo lo que bien construyo antes y de una manera tal, que uno termina de verla y añora ver un cine en el cual la historia se la cuenten de la manera más clásica y sencillita posible. Calificación: 4

Misión: Imposible III

Y si... EL ODIANTE tampoco podía evitar hacerse una pajita con Tom.

Misión: Imposible III (EU – 2006 – J. J. Abrams)

El principal responsable de que Misión: Imposible III no sea otra ordinaria película de acción y espionaje, es Tom Cruise. Hay que reconocerlo, por momentos es insoportable y hace cosas que dan ganas de cruzarlo en la calle y cagarlo a trompadas, pero entre tanto narcisismo (tampoco faltan aca esos personajes femeninos que se agarran la concha y hacen comentarios del tipo: “pero que grande que la tenes Tom, como me casaría con vos”) y hambre por ganar mas espacio mediático y millones de dólares, el tipo tiene un genuino talento como productor y logra con esta serie lo que en las veinte James Bond nunca se logro: tener un director con marcado estilo visual para cada entrega. Luego de Brian de Palma y John Woo, dos de los mejores coreógrafos de las últimas décadas, sigue con la posta J. J Abrams, responsable de que se le caiga la baba a unos cuantos con Lost. Otra inteligente elección que hace que esta tercera parte, más independizada aún de la serie televisiva de los sesenta, respire personalidad propia y sea un intenso torrente de escenas vertiginosas, (la del puente seguramente estará entre las mejores escenas de acción del año), que como anuncia el titulo, siempre jugadas al limite de lo imposible. Es así que si uno supera ver al protagonista revivir luego de morir enchufado a 220 voltios, presenciará un muy buen espectáculo, mediante el cual Tom Cruise vuelve a cumplir su misión: romperla en la taquilla y seguir publicitando su vida privada. ¡Cogeme Tom! Calificación: 7

El nuevo mundo

Quienes me conocen, saben que además de gastar mi tiempo en comentarios inútiles sobre cine, de vez en cuando realizo trabajos como camarógrafo. Es así que la semana pasada me toco cubrir un seminario sobre sonido (tipos muy aburridos los sonidistas) auspiciado por la firma DAS, líder en el sector. Lo que fue una cumbre insoportable en la cual se hablo por más de veinte horas sobre un nuevo sistema de parlantes (¡Sì, dos días para hablar de unas putas cajas pintadas de negro!) finalizo con una arenga publicitaria por parte de los gerentes sobre los grandes logros de DAS en el mercado americano. Un discurso interminable en el cual los muy hijos de puta llegaron al extremo de informar cuantos equipos de sonido habían vendido orgullosamente en ¡¡¡Trinidad y Tobago!!! Cifras, estadísticas y detalles que no le interesaban ni al más “camiseta” de la empresa y mucho menos al público presente. Una verdadera paja corporativa que me contagio la triste sensación de que el mundo se estaba ahogando en un océano de trivialidades. Por suerte, y contrariamente, esa misma semana encontré el refugio y mi conexión con el mundo en una película preocupada por lo absoluto.

El nuevo mundo (The new world – EU – 2005 – Terrence Mallick)

La clase que de películas que hay q ver obligatoriamente en una sala de cine y que sirve como antídoto para esos que dicen: “sí ya sale en DVD, la enchufo a los parlantes y vos no sabes como suena”. El nuevo mundo es una experiencia puramente cinematográfica por su extremadamente nítida y detallista fotografía, por su elaborado sonido, y por la magnitud en la cual nos presenta la naturaleza, pero por sobre todo, por que esta empeñada en que el mundo se perciba de una manera única, una manera que desde nuestra experiencia cotidiana y urbana es imposible de alcanzar. Si en pantalla aparece un árbol, se ven hasta sus diminutas gotas de roció. Si aparece la luna, se ven sobre ella más cráteres de los que alguna vez le pudimos ver. La naturaleza parece tener una belleza inédita y nos absorbe y sorprende tanto como aquellos colonizadores que se toparon alguna vez con la América virgen, ese nuevo mundo que nunca volvería a ser el mismo.

Mallick continua con los temas de su anterior épica La delgada linea roja: el distanciamiento entre el hombre y la naturaleza, el enfrentamiento de culturas y la percepción del mundo. Lo que lo diferencia en esta es una mayor confianza formal, que hace que tome una historia dineylandizada y mas que conocida -pero no por eso menos interesante- y nos la presente como si fuese contada por primera vez. Así es que este encuentro entre ingleses e indígenas, entre el Capitan John Smith y Pocahontas, no deja de producir extrañeza. Mallick cree tanto en su forma de hacer cine como en la historia que cuenta. Descubriendo lo único y lo sublime en cada día de rodaje y enriqueciendo el relato hasta la última jornada de edición. Un Mallick autentico. Una nueva gran película. Calificación: 9

Flores Rotas

La última del canoso Charmuch

Flores Rotas (Broken Flowers – EU – 2005 – Jim Jarmush)

Algo, dice que una película dirigida por Jarmush y protagonizada por Bill Murray tiene que ser una interesante propuesta, veamos...

Lo cierto, para empezar, es que Flores Rotas es entre otras cosas una película de duets, un concepto muy utilizado en la industria músical y que refiere al encuentro de dos luminarias en escena. Entre los artistas que tuvieron discos de duetos están Frank Sinatra, Ray Charles, Elton John y unos tantos más; y sus obras tienen la particularidad de respirar la nostalgia de un par de personas ya bastante adultas que se encuentran después de mucho tiempo. Una nostalgia funcional a la historia que narra "Flores Rotas" con su Don (Por supuesto que por Don Juan, una de las subrayadas referencias de la película, pero también por Don Jonhson, otro galán de los ochenta venido a menos.) al encuentro de viejas amantes para saber si alguna pario un hijo suyo. Jarmush ya había ensayado esta formula de duetos en su anterior y lúdica "Coffee and Cigarrettes" y acá logra explotar con creces la química entre sus actores (La mejor pareja la hace Bill Murray con Jeffrey Wright, aquel protagonista de "Basquait", llamativamente el menos conocido de entre todos los conocidos del reparto), y el problema que tiene es que cuando se le acaban las parejas: Murray-Sharon Stone, Murray-Jessica Lange, Murray-Tilda Swinton, etc, el relato cae fuertemente con una media hora final que pide a gritos más encuentros con viejas conocidas.

Flores Rotas es con seguridad también una road movie, un genero que tiene como tema principal la búsqueda de identidad, que en este caso es la del supuesto hijo de Don. Jarmush decide ocultar esta identidad tras una trama de misterio y lo peor que hace es nunca revelarla. Claro que a partir de esta falta nos habla de la soledad y el desconcierto del tipo mujeriego que fue de todas y a la vez de ninguna (Sandro es nuestro paradigma nacional de esta clase de hombre), una tesis ya planteada por otros directores y con mejores resultados (Vean nada más que la mucho más interesante “El hombre que amaba a las mujeres” de Truffaut). Acá, de alguna manera, Jarmush traiciona a su espectador negándole la resolución del misterio que plantea en pos de una construcción de sentido, que muy probablemente podría haber logrado de otro modo, y esto deja una buena insatisfacción.

Mas que una propuesta interesante, una modesta comedia de cuidada puesta en escena y agradable humor que cree y se apoya en el feeling entre sus figuras y que plantea preguntas para la cual no nos tiene respuestas. Eso si, por favor, que no hagan no-actuar otra vez a Bill Murray, estamos ante uno de los mejores actores de comedia de las últimas décadas. Calificación: 6

Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el ropero

La clase de películas que uno ve para alimentar su cultura popular.

Las crónicas de Narnia: El León, la bruja y el ropero (The Chronicles of Narnia: The Lion, The witch and the wardrobe - EU - 2005 - Andrew Adamson)

Siempre me pasa, como les pasa a bastantes de mi generación, que nunca me terminan de convencer los juegos en 3 dimensiones. Soy de los que prefieren jugar a los fichines de plataforma y en 2D antes que a la Play Station. Tal vez una mera cuestión de contemporaneidad. Lo cierto es que con el cine ocurre algo parecido, nunca me terminan de convencer las películas que tienen montones de personajes generados en 3D por computadora. "Las crónicas de Narnia" es la clase de película que hace extrañar con mucha nostalgia a hitos de mi niñez como "La historia sin fin", "El cristal encantado", o "Laberinto" –encima con esta escuchaba y bailaba por primera vez a David Bowie-, una manera de hacer cine casi en extinción. En aquellas había muñecos, que aunque a veces ridículos y rudimentarios, eran creaciones que estaban esculpidas directamente por la mano humana y por lo tanto tenían mucha mas alma ¿Quién no se emociono al ver por primera vez pelear a los ewoks de El regreso del Jedi? Y esto es lo que no logra Narnia, emocionarnos con sus personajes, encariñarnos con la historia. El diseño, horrible (todavía tengo grabada la estúpida bufanda roja del fauno), abusa de un 3D artificioso, frío y al cual todavía le falta desarrollo. Y encima, en esta pobre historia de unos hermanos que a partir de la incursión en un ropero viajan hacia un mundo paralelo de Narnia, se nota el apuro, la urgencia feroz de la Disney por generar una serie que compita contra Harry Potter; y a sus responsables les falta eso que a Peter Jackson le sobra: verdadero cariño y convicción. Por supuesto que el coctel funciona, después de Harry y los anillos todos la fueron a ver, pero llamativamente no conozco a nadie que le halla gustado demasiado. Signo de nuestros tiempos. Ahora a bancarse la 2, la 3, la 4. ¡Queremos a Jim Henson! Calificación: 3

V de Venganza

Crónica sobre el festival de Cine Independiente de Buenos Aires: Resulta que tenía una entrada para ver una película en el fucking Hoyts de Abasto a las 11 de la mañana y retrasado por el paro de empleados subterráneos llegue a las 11:20. El problema parecía ser que solo me iba a perder el comienzo de la película, pero no… en la entrada a las salas un vigilante se ocupa de informarnos, a mi y a unas veinte personas más, que una vez empezada la función nadie puede ingresar por disposición de la empresa. ¿Qué? ¿Cómo? ¿Desde cuando? Nos costo quince minutos de lucha y quejas conseguir que nos dejaran entrar y totalmente alterado por la situación me costo otros veinte minutos mas lograr meterme en la película. Un pésimo momento, durante el cual tuve la sensación de que en algún lugar del mundo los mismos accionistas de Metrovías que tercerizan a sus empleados y los de Hoyts jugaban un partido de golf juntos. ¿Esto es un festival? ¿Esto es la gran fiesta del cine? ¿Debemos sufrir cada vez que queremos acceder a un cine distinto? Cada año colas más largas, entradas más caras y difíciles de conseguir, salas más distanciadas, y todo en una ciudad cada vez más caótica… ¡una verdadera cagada!

Perdón, pero necesitaba expresarme al respecto. Ahora sí… una película que me gusto poco, casi nada, con la cual me aburrí y hasta me dieron ganas de levantarme de la butaca; ¡una verdadera cagada! Eso si, por lo menos no tuve problemas para entrar a verla.

V de Venganza (V for Vendetta – EU – 2005 - James McTeigue)

Otra oda a la revolution de los Hnos. Guachoski (Acá a cargo del guión), concebida con la misma irresponsabilidad y descaro que la saga Matrix, esa que algunos piensan que es el más grande acontecimiento en la historia del cine (¡Nunca falta el forro que dice que Matrix le cambio la vida!). "V" es una mezcla fea de "El Conde de Montecristo", "El fantasma de la Opera", "1984" -por eso John Hurt en el papel de supremo canciller-, ideas de Revolución Francesa y algunas otras cosas más puestas en la batidora sin pensar demasiado. El problema es que para montar una ciudad bajo un régimen totalitario, solo usan a unos personajes diciendo que hay toque de queda a toda hora pero no describen en imágenes a esa ciudad bajo régimen totalitario, y así, con todo. La película se apoya mayormente en la palabra y no en la imagen para narrar y esto para la adaptación de una novela gráfica es teeeeerriiiiible. Esta bien, es algo provocativa e incorrecta. Nos dice: “recuerda al 5 de Noviembre” como si se tratara del 11-S, que la destrucción de un edificio es un símbolo que incentivará al pueblo a la revolución, en relación a las torres gemelas; y pone a discursear a un fanático religioso de derecha, como parodia de Bush. Lástima que esta critica a la política del imperio este diluida por la falta de pericia del director (Nene, no te sale la Bennie Hill), las vueltas y desviaciones de guión (Innecesario el flashback de las lesbianas) y unos cuantos minutos más de metraje. Pero no se preocupen, hay peleas con cámaras lentas y explosiones pirotécnicas. Una máscara bien fea como la que usa el personaje V. Cine de mal gusto.

Todavía no entiendo las positivas críticas de muchos medios. Mi puntaje, aclaro, es por generoso y objetivo. Me despido con la nostalgia de esa "V" que simbolizaba la revolución de los humanos contra los reptiles extraterrestres liderados por Diana. ¿Se acuerdan? Calificación: 4